我觉得可以抽出一段时间先进行线条练习，首先进行线条单独练习；接着临《芥子园画谱》；而后临陈洪绶《水浒叶子》，然后先摹后临《永乐宫壁画》，通过练习，使画出线条达到放松和有弹性的程度。

刚开始练习时线条会有“变虚”的问题，这其实是用笔问题。一开始练习线条的时候，一般人可以分为两类：

一类，只会按下去，手提不起来，号致前面粗壮，墨汁浓重，到后半段干枯了，变成拖笔。

二类，只会提笔，不敢压下去，用笔尖划在纸上，越划越没有力气，到最又飘了。

这两种情况，都忽略了一个行笔过程中的问题，就是线条画过去的时候，提与按是结合的。一根好的线，就如同一个乐句，必定有高低起伏强弱有序，不会一直一个调到底。

经过一段时间的练习后，争取画出放松而又有弹性的线条。

放松的线条就是行笔时，提按结合的力度刚刚好。放松的线条会比较灵动有生气。相反紧张的线条就会比较僵硬，虽然看着也很有力度，但就是过于硬和实。就如一个人，在较放松的时候表情会特别自然，看着也赏心悦目些，相反一个情绪紧张的人，脸部表情和动作都会不自然。松和紧是一个相互的概念，松紧是结合的，太放松，线条就没有了精神。

开始握笔的时候肯定是紧张的，因为不了解毛笔的性能，手和腕的经脉和肌肉都还没有经过一定的训练，所以紧张僵硬是自然的。但是到了一定阶段，我们有一定熟练度后，就要放松手臂与手腕，让它们不那么拘谨，这样用笔和线条才会更加自然丰富。

弧度大的线条，要追求它的弹性。一根长弧度的线条，做到圆、转、通，才能有弹性。

圆，就是线条从头到尾需要圆润；转，就是有弧度的时候手腕要随着一起转过来，但线条还是中锋用笔，这样整个线条就通了；通就是顺畅，没有停滞感，就如血管没有梗塞，是流通的。可以想象一根铜丝弯成园弧的形状和一根绵线摆成圆弧形状，两相对比，铜丝是圆润有弹力的，绵线则有形无神。

待线条质量稳定，造型能力也有一定基础后。可以选择明清名家如金农、陈洪绶、沈周、恽寿平等的作品临摹；之后根据兴趣选择宋人小品，元四家、清四家等等作品临摹。

有专门的入门书籍，从画布，颜色的设配开始。你已经学过素描和色彩，应该已以有过素描的基础，相信应该会很快掌握的。

技巧如下。

挫

挫是用油画笔的根部落笔着色的方法，按下笔后稍作，挫动然后提起，如书法的逆锋行笔，苍劲结实。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。

拍

用宽的油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理，既不十分明显，又不致过于简单，也可处理原先太强的笔触或色彩，使其减弱。

揉

揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接操合的方法，颜色操合后产生自然的混合变化，获得微妙而鲜明的色彩及明暗对比，并可起到过渡衔接的作用。

线

线是指用笔勾画的线条，油画勾线一般用软毫的尖头绪，但在不同的风格中，圆头、校形和旧的扁笔也可勾画出类似书强中锋般的浑厚线条。东西方绘画开始时都是用线造型的，在早加油画中通常都以精确严谨的线条轮廓起稿，坦培拉技法中排线法是形成明暗的主要手段。西方油画到后来才演变为以明暗和体首为主，但尽管如此，油画中线的因素也从未消失过。纤细、豪放。工整或随意不拘以及反复交错叠压的各种线条运用，使油画语言更为丰富，不同形体边线的处理更是十分重要。东方绘画的用线也影响了很多西方现代大师的风格，如马蒂斯、凡高、毕加索、米罗和克利等都是用线的高手。

油画

油画是西洋绘画中的主要的一个画种。用快干油质调和颜料，绘制在经过处理的画布、板、厚纸或墙面上的绘画艺术。早期油画采有“坦泼拉”（Tempere）画法，即用鸡蛋黄或蛋清作为凋料溶合矿物颜料作画，再作薄而透明油色罩在画上。15世纪，尼德兰画家凡�6�1

爱克兄弟改用亚麻仁油和核桃油等快干油作为调和剂，使颜色易于调和，被广泛地运用。特点为运笔自如，并可层层敷设，提高色彩亮度，能较充分地表现物体的真实感和丰富的色彩效果。从此，新材料和新技法很快流传全欧洲。凡�6�1

爱克兄弟因此被称作欧洲油画的创造人。20世纪初我国出现研习油画者渐多，其中李叔同（1880—1952）最早研习油画并把种技法介绍到中国来。

扫

扫常用来衔接两个邻接的色块，使之不太生硬，趁颜色未干时以干净的扇形笔轻轻扫掠就可达到此目的。也可在底层色上用笔将另一种颜色扫上去来产生上下交错、松动而不腻死的色彩效果。

跺

指用硬的猪鬃画笔蘸色后以笔的头部垂直地将颜料跺在画面上。跺的方法不很常用，通常只在局部需要特殊肌理的时候才应用。

乳剂材料

乳剂材料是一种具有悠久历史的优秀传统材料，在现代得到了新的发展。乳剂型材料是兼含有水性和油性成分的混合型材料，两者的优点也兼而有之。各种坦培拉绘画材料如蛋彩、酪彩以及蜡质材料都是属于乳剂系列的。乳剂材料可用水稀释，干燥速度快，类似水性材料；可以作不透明厚涂，干后不溶于水，又具有油性材料的优点。各类现代的丙烯、乙烯合成颜料等既保留了传统乳剂材料的特点，又具备油性材料的长处，并且还有其它材料无法替代的效果，是有着很大发展前途的新型材料。

油性材料

使用油性材料以及天然树脂作为绘画媒介剂的主要画种是油画，它是由传统蛋彩和酿蛋白等乳剂型材料演变发展而来的。油性材料的特点是干燥缓慢、有光泽并可反复覆盖厚涂。油性材料具有强烈的表现力和丰富的技法效果，可以说几乎包容了所有其它材料和画种的技法特点。油性材料的特性允许深入细微地刻画对象的造型，可以表现出对象丰富逼真的色彩关系，从而符合了14世纪以来人们再现视觉真实的愿望，促进了西方绘画向写实发展的进程。油画诞生后～直在西方画坛占主要地位，并在全世界范围得到发展，这也证明了油性材料的优越性。从水性材料到油性材料的过渡是一个漫长的变革过程，几乎经历了数千年的时间，是绘画材料技法乃至艺术史上的重大突破。油与树脂的使用是使西方绘画材料技法区别于东方绘画材料技法的重要特征之一。

拉

拉是指油画中有时需要画出坚挺的线条和物体边缘如画锋利即剑或玻璃的侧面等，这时可用画刀调准颜色后用刀刃一侧将颜色在画面上拉出色线或色面，画刀画出的形体坚实肯定，是画笔或其它方法难以达到的。

擦

擦是把画笔横卧，用画笔的腹部在画面鼓擦，通常擦时用较少的颜色大面积进行，可形成不很明显的笔触，也是铺底层色的常用方法。在干了的底色或起伏的肌理上用擦的笔法可画出类似国画飞白的效果，使底层肌理更为明显。

抑

抑是用刀的底面在湿的颜色层上轻轻向下压后提起，颜色表面会产生特殊的肌理。在有些需要刻画特殊质感的地方用抑技法可达到预期的效果。

水性材料

人类最早使用的颜料是以水溶性材料为主的。在早期绘画中自发地以水、树胶或动物胶等天然的物质作为颜料的稀释剂和粘合剂是十分自然的，它们取材方便，使用简单，这在东西方早期绘画中是一致的。今天的水彩和水粉的颜料等都是水性媒介型的，其表现技法自由、流畅，可产生轻快、透明的效果，也是中国画、日本画等东方绘画的主要材料类型。

油画材料

油画材料可分为基底材料、油画颜料和媒介剂材料三大类。基底材料指承载绘画颜料层的依托材料和底子涂料。油画颜料是绘制时直接表达绘画的色彩和肌理效果的主要材料。媒介剂材料则是用于调整颜料性状并使其和基底材料结合在一起的各种稀释剂、结合剂和上光剂等。

砌

砌的方法是用刀代替画笔，像泥瓦匠用泥刀环泥灰那样将颜色砌到画布上去，直接留下刀痕。用砌的方法可以有不同的厚薄层次变化，刀的大小和形状以及用刀的方向不同也会产生丰富的对比。用画刀调取不同的颜色不作过多调合，任其在画面上自然地混合能产生微妙的色彩关系。起伏过大的色层也可用砌的方法将其砌平。砌的方法如果使用得当，就会有很强的塑造感

划

划指用画刀的刀锋在未干的颜色上刻画出阴线条和形有时可露出底层色来。不同的画刀能产生深浅粗细不同的变与画笔的笔触及画刀利的技法产生的色面形成点、线、面的对起伏的肌理变化。

点

点——众法自点始，一切笔法均出发于点。早在古典坦培拉技法中，点画法就是～种表现层次的重要技法。在维米尔的作品中也使用了点的笔触来表现光的闪烁和物体质地。印象派时点彩笔法成了其基本特征之一，但莫奈、雷诺阿和毕沙罗等的点法各自具有不同的变化和个性。新印象派则走向极端，机械地将点作为其唯一的笔法。现代写实油画中也有沿用以点的疏密来产生明暗层次的，可以造成肯定又不死板的过渡。点的方法在综合性画法中与线条和体面结合可产生丰富的对比，用不同形状和质地的油画笔又可产生不同的点状笔触，对表现某些物体的质感能起独特的作用。

刮

刮是油画刀的基本用途，刮的方法一般是用刀刃刮去画面上画得不理想的部分，也可用刀刮去不必要的细节或减弱过于强的关系，让显得紧张的画面关系松弛下来。长期作业在一天作业结束时往往需要把本画完的部分颜色用刀刮去以便及时干燥，待第二天接着画。颜色干后也可用画刀或剃须刀把高低不平处刮得平整一些。还可在未干的颜色层上用刀刮，使之露出底色从而显现各种肌理。

涂

如果说点画法和勾画法是形成油画点与线的手段的话，那么涂就是构成油画体决，即面的主要方法。涂的方法有平涂、厚涂和薄涂等，也有把印象派的点彩法称为散涂的。平涂是画大面积色块的主要方法，均匀的平涂也是装饰性油画的常用技法。厚涂则是油画区别于其它画种用笔的主要特征之～，可以使颜料产生一定的厚度并留下明显的笔触而形成肌理。用画刀把极厚的颜料刮到或直接将颜料挤到画布上，可称为堆涂。薄徐是用油将颜色稀释后薄薄地涂上画面，可产生透明或半透明的效果。散涂则使用笔显得灵活多变、气韵生动。结合揉扫的涂法也叫做晕涂。

摆

用笔将颜料直接放在画布上不作更多的改动称摆，摆也是油画基本的笔法之一。摆的方法常用在油画开始和结束时，以较肯定的颜色和准确的笔触来寻找色彩与形体关系，往往关键处只需几笔就能使画面改观，当然下笔前应先做到成竹在胸方可奏效。

擦——擦是把画笔横卧，用画笔的腹部在画面鼓擦，通常擦时用较少的颜色大面积进行，可形成不很明显的笔触，也是铺底层色的常用方法。在干了的底色或起伏的肌理上用擦的笔法可画出类似国画飞白的效果，使底层肌理更为明显。

一板绘自学能学成功吗？我想说，自学难，难于上青天。

我认识很多喜欢学习板绘插画的同学，他们中大多数人刚开始也都是抱着一个自学的想法，碍于面子或者不好意思打击他们的积极性，他们想自学的时候，我也没有多说什么，个人的自由嘛，可是随着时间的推移，当我两三年以后在和他们聊天的时候，我发现了一个非常奇怪的现象，他们已经没有在学板绘插画了，改行去做其他的事情了，我问他们不学了是不看好板绘插画这个行业吗？他们说很看好这个行业，但是一直靠自学的方式，总是力不从心，总感觉有没完没了的问题，但是自己的能力总是有限解决不了，最后自己的兴趣在这种折磨当中给消耗殆尽，也只能默默的选择远离。

所以想要自学板绘插画的同学，听我一句劝，你刚开始通过自学的方式简单了解一下可以，如果你真的想在这个行业学出一个样子，不要用自学的方式，这只会害了你自己，板绘插画的知识好比一个汪洋大海，在这个大海里如何航行，你知道吗？所以想学的话，就找个好老师带着你学，不想学的话也不用在这个行业每天浪费时间自学，没什么意思，因为最后自学无法成功。

我说跟学，很多同学可能感觉比较蒙圈，啥叫跟学呀？就是跟着优秀的人学习，只有向优秀的人学习，才能成为更优秀的人，这一点是非常的棒的，关于这个点不要跟我辩解，现在的短视频平台的算法也都是这样的，一个视频火了，后边的人跟着模仿，很多也都能火一把，为什么？因为优秀的东西肯定有优秀的点值得放大，而学习板绘插画也是这个道理，一定要要学会借力，你现在虽然什么都不会，但借力可以无中生有，就能什么都有，就能什么都被你所用。

其实我一直觉得，我这些年之所以能够发展的比较顺利，有很大的原因是，我遇到了很多优秀的老师，让我少走了很多的弯路，我可以给大家分享一个，希望对你们能够有帮助，我认识一位非常优秀的板绘插画老师，他的毅力我很佩服，每天晚上他都会在网上免费直播讲板绘插画公开课，无论是知识层面还是思维的层面，讲的都很通俗易懂透彻，接地气，让人听的津津有味，很多零基础的同学在这里也受益匪浅。想听的小伙伴可以到他的维心（谐音）：开头的一组是：w9，后边的一组是：kaka把这两组按照先后顺序组合起来即可，备注：知道。

（一）选择一个适合自己的数位板。

虽说，板子软件都只是一个工具，但是说实话，工欲善其事必先利其器，挑一块儿自己用着舒适且合适的板子也蛮重要的，用bamboo的几年里用过各种影拓，当时相比影拓4我就更偏爱影拓3，但是出国的时候嫌沉还是带了bamboo。

而现在，就算是wacom的板子，各种价位都有，也绝对是新手能承受得起的。现在wacom的手绘板都叫影拓，之前的影拓系列现在叫影拓pro，最低端的板子官网也才499。所以，价格方面其实wacom也做的很平民了，挑一块儿合适的就好，没用过其他牌子，比如友基，不做评价。

（二）征服软件，就征服了数位板的基础。

对于想自学的同学，软件的入门操作其实是一个很大的问题。

那些曾经同样被困扰着却跨过了这个坎的同学们想起自己第一次见到ps时候又何尝不是迷茫呢？初时自学的时候，我最先用的是painter，painter的上手已经是非常平易近人的了，后来换ps的时候我还一直为了ps没有色环取色不方便而苦恼。我尝试过SAI, COMIC STUDIO, PAINTER, PS，但最后还是很自然地过度到了ps。

除了ps，其他软件在功能上都具有一定局限性，而ps能解决所有平面图像上的问题，只是对技术挖掘的深浅罢了，其实绘图无非是用那几个工具，上手之后就简单了，遇到问题再解决问题即是。理想的是能有老手带领入门，软件上手就快多了，有问题也能顺利解决。

（三）万变不离其宗，搞好基础很重要

软件，同铅笔，颜料一样，都作为工具而存在。

但凡写实相关的绘画，离不开素描，色彩。从入手板子的第一天开始，你应该还准备一个速写本，一根铅笔。想要更快地进步，个人建议，两个方式同时进行，进行基础地练习。

用铅笔在纸上画速写，素描时，才能发现自身更多的不足，而一笔一笔调和颜料才能更好地理解色彩。不多费口舌在基础练习上了，无非素描，速写，色彩，而色彩建议透明性媒介和不透明媒介都涉及一下，比如色彩和丙烯。而速写本的真正目的是培养自己随时画画的习惯，从涂鸦和通过描述周围事物而发现绘画的乐趣。长远看来，当你熟悉了数码绘画之后，也应该更多地回归传统，重新学习，且挖掘新的乐趣，当你真正爱上绘画时，是不拘泥于绘画形式的。

从一个基础练习开始，会发现一个更大的世界，更多自己不知晓的东西，比如无论如何都需要解决的人体，当你从人体速写入手时，你会发现需要解决头部问题，画完了头颅，有面部，之后有躯干，四肢，再然后你发现原来手足更难画，而这些都是传统大师们一辈子都在试图解决的问题。

（四）刚开始要重视临摹，不要太在意风格。

是因为什么才让你想画画的？

什么样的作品才真正吸引你？

不管是什么样的风格的绘画感动了你，让你有了画画的欲望，让你也最终选择了这样的风格，但是我想说的是，风格无高低，技术无极限。如果你是画写实插画，每一张插图都让你费劲心机，处理每一个微妙的光影关系，也请抱着欣赏的态度看待其它的作品。关于风格的养成，不是一个新手需要考虑的问题。新手大多从临摹入门，临摹能带来技术上的学习同时也能带来一定程度上的满足感，因为你走了一条捷径，通过copy别人的造型，别人的色彩，呈现了原本自己达不到的画面效果。临摹永远不是创作，只是一种学习的手段。

而突然一下让你自己开始创作，确实可能会让人有些迷茫，脑子里一片迷茫，那就试着去画出自己脑子里时常闪现的景象吧，下了第一笔，接下来就是痛苦的坦途，一面痛苦，一面欢乐。

（五）不要总说自己是一个画画的。

很多数码画师经常标榜自己是一个画画的，除了画画，别的都与其不相干。有些画师画得很好，然而艺术上的素质修养着实不敢多言。

我是一个画画的！

这是一句听起来非常自豪非常热血的话，然而这句话背后可能意味着许多拒绝。曾经认识一些国内数码游戏插画圈的朋友，有些甚至小有名气，他们认同和崇拜自己能理解的事物，比如安格尔，德加，萨金特，然而每当谈论到当代艺术甚至现代艺术时，他们竟然是抱着排斥甚至是鄙夷的态度。“那也能叫画？我也能画！”“搞艺术的都是炒作！”我经常听见这样的言论，这让我感到不安甚至惶恐，这些都是画画的人啊。

当然，对“艺术”的学习和理解可能帮助不了你提升画工和写实能力，但是我相信，随着你视野的打开，你也会进入一个新的世界。

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